VA • Jazz Carnival [Blue Note Latin Jazz Grooves]

  

 

Art Pepper,Don Wilkerson,Grant Green,Hank Mobley,Freddie Roach,John Patton,Donald Byrd,Stanley Turrentine,Freddie Hubbard, Andrew Hill 

 

 

VA • Bossa Nova 100

Lamentablemente en este gran recopilatorio de Bossa Nova, el gran ausente es Vinícius de Moraes, supongo serán cuestiones de las discográficas. Pero bueno, la selección bien lo vale.

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Unfortunately, in this great Bossa Nova compilation, the great absentee is Vinícius de Moraes, I guess it's a matter of record companies. But well, the selection is well worth it.

 

 

 Stan Getz, Dizzy Gillespie, Astrud Gilberto, Stanley Turrentine, Sergio Mendes, Elis Regina, Toots Thielemans, Ike Quebec, Antonio Carlos Jobim, Wes Montgomery, Cal Tjader, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Hank Mobley, Quartette Tres Bien, Coleman Hawkins, Milt Jackson, Jimmy Smith, Lalo Schifrin, João Gilberto, Dave Pike, Grant Green, Kenny Burrell, Shirley Scott, Ramsey Lewis ...

VA • Blue Note Rare Grooves

 

Brother Jack McDuff, Candido, Donald Byrd, Elvin Jones, Jimmy McGriff, John Patton, Larry Young, Reuben Wilson, Richard ''Groove'' Holmes, Stanley Turrentine. 

VA • Chillout Jazz Organ

Baby Face Willette, Hammond, James Brown, Jimmy Smith, Joey Defrancesco, Kenny Burrell, Larry Young, Lou Donaldson, Pat Martino, Shirley Scott, Stanley Turrentine, Walter Wanderley, Wes Montgomery ...

VA • Back Down To The Tropics

Hank Mobley, Duke Pearson, Horace Silver, Grant Green, Donald Byrd, Lou Donaldson, John Patton, Stanley Turrentine, Art Blakey, Kenny Burrell, Dexter Gordon, Ike Quebec, Don Wilkerson,

http://www.bluenote.com/

 

Sonny Clark • Leapin' And Lopin'

 

Review by Michael G. Nastos
Sonny Clark's fifth Blue Note recording as a leader is generally regarded as his best, especially considering he composed four of the seven tracks, and they all bear his stamp of originality. What is also evident is that he is shaping the sounds of his quintet rather than dominating the proceedings as he did on previous dates. Tenor saxophonist Charlie Rouse and trumpeter Tommy Turrentine play very little harmony on the date, but their in-tune unison lines are singularly distinctive, while bassist Butch Warren and young drummer Billy Higgins keep the rhythmic coals burning with a steady, glowing red heat. Among the classic tunes is the definitive hard bop opener "Somethin' Special," which lives up to its title in a most bright and happy manner, with Clark merrily comping chords. "Melody for C" is similarly cheerful, measured, and vivid in melodic coloration. The showstopper is "Voodoo," the ultimate late-night slinky jazz tune contrasted by Clark's tinkling piano riffs. Warren wrote the exciting hard bopper "Eric Walks" reminiscent of a Dizzy Gillespie tune, while Turrentine's "Midnight Mambo" mixes metaphors of Afro-Cuban music with unusual off-minor phrases and Rouse's stoic playing. Tenor saxophonist Ike Quebec plays a cameo sans the other horns on the soulful ballad "Deep in a Dream," exhibiting a vocal quality on his instrument, making one wonder if any other sessions with this group were done on the side. Top to bottom, Leapin' and Lopin' is a definitive recording for Clark, and in the mainstream jazz idiom, as well.
https://www.allmusic.com/album/leapin-and-lopin-mw0000194208

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Reseña de Michael G. Nastos
La quinta grabación de Blue Note de Sonny Clark como líder generalmente se considera la mejor, especialmente considerando que compuso cuatro de las siete pistas, y todas llevan su sello de originalidad. Lo que también es evidente es que está dando forma a los sonidos de su quinteto en lugar de dominar los procedimientos como lo hizo en fechas anteriores. El saxofonista tenor Charlie Rouse y el trompetista Tommy Turrentine tocan muy poca armonía en la cita, pero sus líneas afinadas al unísono son singularmente distintivas, mientras que el bajista Butch Warren y el joven baterista Billy Higgins mantienen las brasas rítmicas ardiendo con un calor rojo brillante y constante. Entre las melodías clásicas se encuentra el abridor definitivo de hard bop "Somethin 'Special", que hace honor a su título de la manera más brillante y feliz, con Clark componiendo alegremente los acordes. "Melody for C" es igualmente alegre, mesurado y vívido en coloración melódica. Lo más destacado es "Voodoo", la última melodía de jazz furtiva nocturna contrastada con los tintineantes riffs de piano de Clark. Warren escribió el emocionante hard bopper "Eric Walks" que recuerda a una melodía de Dizzy Gillespie, mientras que "Midnight Mambo" de Turrentine mezcla metáforas de la música afrocubana con frases inusuales de menor importancia y la interpretación estoica de Rouse. El saxofonista tenor Ike Quebec hace un cameo sin los otros cuernos en la balada conmovedora "Deep in a Dream", exhibiendo una calidad vocal en su instrumento, lo que hace que uno se pregunte si alguna otra sesión con este grupo se realizó en un lado. De arriba a abajo, Leapin 'and Lopin' es una grabación definitiva para Clark, y también en el idioma del jazz convencional.
https://www.allmusic.com/album/leapin-and-lopin-mw0000194208

Kenny Burrell • The Artist Selects

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

VA • The Greatest Soul Jazz

 

Ray Charles, Cannonball Adderley, Sonny Stitt, Gene Ammons, Roy Ayers, Donald Byrd, Stanley Turrentine, Horace Silver, Grant Green, Hank Mobley, George Benson, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Jimmy McGriff, Ray Bryant, Lee Morgan.

Max Roach Plus Four • Quiet As It's Kept

  

Review
by Michael G. Nastos  
Max Roach's post-Clifford Brown ensembles became more experimental down the road, but this 1960 band, with the brothers Tommy and Stanley Turrentine, and Julian Priester, was short-lived, very satisfying, and one of the most memorable combos the drummer led. Continuing to concentrate on hard bop themes, the band is hardly quiet as the title would suggest. It perhaps could be said that this band was a sleeper in not being as recognized as the superior collective talent would indicate. Perhaps the obscure bassist Bob Boswell has something to do with it, or that the front line would find their niches in jazz well past their membership in this fine combo. Of course Roach's drumming is far beyond reproach, but it is his choice of material and their composers that have to strike even the most literate jazz head as quite daring. The bouncy title track written by Bill Lee with its happy counterpoint and unison lines, the fleet Kenny Dorham evergreen "Lotus Blossom" embellished in held or stretched melody lines, and Priester's "Juliano" are all extension of the mid-'50s hard bop that Roach helped to found, the latter tune contrasting Tommy Turrentine's bright trumpet with the trombonist's mushy sound. Brother Stanley Turrentine's tenor sax is featured extensively on this set, proving a quite able bopper in his pre-soul-jazz days. For "The More I See You" his easygoing, restrained tone exudes more in what he doesn't play than what he does. On the original, first recorded version of the eventual standard "As Long as You're Living" in 5/4 time, Boswell's bass leads as the three horns fill in the cracks and accent beautifully. Leon Mitchell's ballad tribute to Billie Holiday, "To Lady," is the feature for Tommy Turrentine's soulful trumpet, the perfect example of the unsung hero and his voicings that were never fully acknowledged. Only one other album (the Enja release Long as You're Living) from this band was issued with some different material, but they stand together as brief monuments from a group unique unto itself, and a transitional band in the history of Roach's long tenure as a leader.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Los conjuntos de Max Roach posteriores a Clifford Brown se volvieron más experimentales en el camino, pero esta banda de 1960, con los hermanos Tommy y Stanley Turrentine, y Julian Priester, fue de corta duración, muy satisfactoria, y uno de los combos más memorables que el baterista dirigió. Siguiendo con la concentración en temas de hard bop, la banda no es tranquila como sugiere el título. Tal vez podría decirse que esta banda fue un "sleeper" al no ser tan reconocida como indicaría el superior talento colectivo. Tal vez el oscuro bajista Bob Boswell tenga algo que ver con ello, o que la primera línea encontraría sus nichos en el jazz mucho más allá de su pertenencia a este buen combo. Por supuesto, la forma de tocar la batería de Roach es irreprochable, pero es su elección de material y sus compositores lo que tiene que impresionar incluso a la cabeza más letrada del jazz como algo bastante atrevido. El alegre tema del título escrito por Bill Lee, con sus alegres contrapuntos y líneas al unísono, la rápida "Lotus Blossom" de Kenny Dorham, adornada con líneas melódicas sostenidas o estiradas, y "Juliano" de Priester, son una extensión del hard bop de mediados de los 50 que Roach ayudó a fundar, y este último tema contrasta la brillante trompeta de Tommy Turrentine con el sonido pastoso del trombonista. El saxo tenor de su hermano Stanley Turrentine aparece ampliamente en este disco, demostrando ser un gran intérprete de bop en su época anterior al jazz. En "The More I See You", su tono fácil y comedido emana más de lo que no toca que de lo que toca. En la primera versión original grabada del eventual estándar "As Long as You're Living" en tiempo de 5/4, el bajo de Boswell lidera mientras las tres trompas rellenan las grietas y acentúan maravillosamente. La balada de Leon Mitchell en homenaje a Billie Holiday, "To Lady", es la característica para la conmovedora trompeta de Tommy Turrentine, el ejemplo perfecto del héroe no reconocido y sus voicings que nunca fueron del todo reconocidos. Sólo se publicó otro álbum (el lanzamiento de Enja Long as You're Living) de esta banda con material diferente, pero se mantienen juntos como breves monumentos de un grupo único en sí mismo, y una banda de transición en la historia de la larga trayectoria de Roach como líder.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

Duke Pearson • The Right Touch

 

Review by Scott Yanow
Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

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Crítica de Scott Yanow
Duke Pearson se enfrenta al reto de escribir para un octeto de estrellas (con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Garnett Brown, el contralto James Spaulding, Jerry Dodgion en el contralto y la flauta, Stanley Turrentine en el tenor, el bajista Gene Taylor, el baterista Grady Tate, y el líder/pianista), aportando coloridos marcos y composiciones consistentemente desafiantes. El conjunto está lleno de melodías diversas (la reedición en CD contiene una toma inédita de "Los Malos Hombres") interpretadas por una variedad de solistas distintivos; muchas de estas canciones merecen ser revividas. Se trata de una de las mejores grabaciones de la carrera de Duke Pearson.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

Stanley Turrentine • The Essential Stanley Turrentine

 

Horace Silver • Serenade to a Soul Sister

One of the last great Horace Silver albums for Blue Note, Serenade to a Soul Sister is also one of the pianist's most infectiously cheerful, good-humored outings. It was recorded at two separate early-1968 sessions with two mostly different quintets, both featuring trumpeter Charles Tolliver and alternating tenor saxophonists Stanley Turrentine and Bennie Maupin, bassists Bob Cranshaw and John Williams, and drummers Mickey Roker and Billy Cobham. (Williams and Cobham were making some of their first recorded appearances since exiting the military.) Silver's economical, rhythmic piano style had often been described as funky, but the fantastic opener "Psychedelic Sally" makes that connection more explicit and contemporary, featuring a jubilant horn theme and a funky bass riff that both smack of Memphis soul. (In fact, it's kind of a shame he didn't pursue this idea more.) Keeping the album's playful spirit going, "Rain Dance" is a campy American Indian-style theme, and "Jungle Juice" has a mysterious sort of exotic, tribal flavor. "Kindred Spirits" has a different, more ethereal sort of mystery, and "Serenade to a Soul Sister" is a warm, loose-swinging tribute. You'd never know this album was recorded in one of the most tumultuous years in American history, but as Silver says in the liner notes' indirect jab at the avant-garde, he simply didn't believe in allowing "politics, hatred, or anger" into his music. Whether you agree with that philosophy or not, it's hard to argue with musical results as joyous and tightly performed as Serenade to a Soul Sister.

Biography

From the perspective of the 21st century, it is clear that few jazz musicians had a greater impact on the contemporary mainstream than Horace Silver. The hard bop style that Silver pioneered in the '50s is now dominant, played not only by holdovers from an earlier generation, but also by fuzzy-cheeked musicians who had yet to be born when the music fell out of critical favor in the '60s and '70s.

Silver's earliest musical influence was the Cape Verdean folk music he heard from his Portuguese-born father. Later, after he had begun playing piano and saxophone as a high schooler, Silver came under the spell of blues singers and boogie-woogie pianists, as well as boppers like Thelonious Monk and Bud Powell. In 1950, Stan Getz played a concert in Hartford, Connecticut, with a pickup rhythm section that included Silver, drummer Walter Bolden, and bassist Joe Calloway. So impressed was Getz, he hired the whole trio. Silver had been saving his money to move to New York anyway; his hiring by Getz sealed the deal.

Silver worked with Getz for a year, then began to freelance around the city with such big-time players as Coleman Hawkins, Lester Young, and Oscar Pettiford. In 1952, he recorded with Lou Donaldson for the Blue Note label; this date led him to his first recordings as a leader. In 1953, he joined forces with Art Blakey to form a cooperative under their joint leadership. The band's first album, Horace Silver and the Jazz Messengers, was a milestone in the development of the genre that came to be known as hard bop. Many of the tunes penned by Silver for that record -- "The Preacher," "Doodlin'," "Room 608" -- became jazz classics. By 1956, Silver had left the Messengers to record on his own. The series of Blue Note albums that followed established him for all time as one of jazz's major composer/pianists. LPs like Blowin' the Blues Away and Song for My Father (both recorded by an ensemble that included Silver's longtime sidemen Blue Mitchell and Junior Cook) featured Silver's harmonically sophisticated and formally distinctive compositions for small jazz ensemble.

Silver's piano style -- terse, imaginative, and utterly funky -- became a model for subsequent mainstream pianists to emulate. Some of the most influential horn players of the '50s, '60s, and '70s first attained a measure of prominence with Silver -- musicians like Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson, and the Brecker Brothers all played in Silver's band at a point early in their careers. Silver has even affected members of the avant-garde; Cecil Taylor confesses a Silver influence, and trumpeter Dave Douglas played briefly in a Silver combo.

Silver recorded exclusively for Blue Note until that label's eclipse in the late '70s, whereupon he started his own label, Silveto. Silver's '80s work was poorly distributed. During that time he began writing lyrics to his compositions, and his work began to display a concern with music's metaphysical powers, as exemplified by album titles like Music to Ease Your Disease and Spiritualizing the Senses. In the '90s, Silver abandoned his label venture and began recording for Columbia. With his re-emergence on a major label, Silver once again received a measure of the attention his contributions deserve. Certainly, no one ever contributed a larger and more vital body of original compositions to the jazz canon. Silver died in New York on June 18, 2014 at the age of 85.

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Uno de los últimos grandes álbumes de plata de Horace para Blue Note, Serenade to a Soul Sister es también una de las salidas más contagiosas y de más buen humor del pianista. Fue grabado en dos sesiones separadas a principios de 1968 con dos quintetos diferentes, ambos con el trompetista Charles Tolliver y los saxofonistas tenor Stanley Turrentine y Bennie Maupin, los bajistas Bob Cranshaw y John Williams, y los bateristas Mickey Roker y Billy Cobham. (Williams y Cobham estaban haciendo algunas de sus primeras apariciones registradas desde que salieron del ejército.) El estilo económico y rítmico del piano de Silver había sido descrito a menudo como funky, pero el fantástico abridor "Psychedelic Sally" hace que esa conexión sea más explícita y contemporánea, presentando un tema de trompa jubiloso y un riff de bajo funky que ambos huelen a alma de Memphis. (De hecho, es una pena que no siguiera con esta idea.) Manteniendo el espíritu juguetón del álbum, "Rain Dance" es un tema acampado al estilo de los indios americanos, y "Jungle Juice" tiene un misterioso sabor exótico y tribal. "Kindred Spirits" tiene un tipo de misterio diferente, más etéreo, y "Serenata a una hermana del alma" es un tributo cálido y relajado. Uno nunca sabría que este álbum fue grabado en uno de los años más tumultuosos de la historia de Estados Unidos, pero como dice Silver en el pinchazo indirecto de las notas de la línea a la vanguardia, él simplemente no creía en permitir "la política, el odio o la ira" en su música. Ya sea que estés de acuerdo con esa filosofía o no, es difícil discutir con resultados musicales tan alegres y bien interpretados como Serenata a una Hermana del Alma.


Biografía
Desde la perspectiva del siglo XXI, está claro que pocos músicos de jazz tuvieron un mayor impacto en la corriente dominante contemporánea que Horace Silver. El estilo de hard bop en el que Silver fue pionero en los años 50 es ahora dominante, tocado no sólo por los músicos de una generación anterior, sino también por músicos de mejillas borrosas que aún no habían nacido cuando la música perdió el favor de la crítica en los años 60 y 70.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica caboverdiana que escuchó de su padre, nacido en Portugal. Más tarde, después de haber comenzado a tocar el piano y el saxofón en la escuela secundaria, Silver quedó bajo el hechizo de cantantes de blues y pianistas de boogie-woogie, así como de boppers como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó un concierto en Hartford, Connecticut, con una sección rítmica que incluía a Silver, al baterista Walter Bolden y al bajista Joe Calloway. Tan impresionado estaba Getz que contrató a todo el trío. Silver había estado ahorrando dinero para mudarse a Nueva York de todos modos; su contratación por parte de Getz selló el trato.

Silver trabajó con Getz durante un año, y luego comenzó a trabajar como freelance en la ciudad con jugadores de la talla de Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952, grabó con Lou Donaldson para el sello Blue Note; esta fecha le llevó a sus primeras grabaciones como líder. En 1953, unió fuerzas con Art Blakey para formar una cooperativa bajo su liderazgo conjunto. El primer álbum de la banda, Horace Silver and the Jazz Messengers, fue un hito en el desarrollo del género que llegó a ser conocido como hard bop. Muchas de las melodías escritas por Silver para ese disco -- "The Preacher", "Doodlin'", "Room 608" -- se convirtieron en clásicos del jazz. Para 1956, Silver había dejado a los Mensajeros para grabar por su cuenta. La serie de álbumes de Blue Note que le siguieron lo estableció para siempre como uno de los principales compositores y pianistas de jazz. LPs como Blowin' the Blues Away y Song for My Father (ambos grabados por un conjunto que incluía a los veteranos ayudantes de Silver, Blue Mitchell y Junior Cook) presentaban composiciones armónicamente sofisticadas y formalmente distintivas de Silver para pequeños conjuntos de jazz.

El estilo de piano de Silver, conciso, imaginativo y totalmente funky, se convirtió en un modelo a imitar por los posteriores pianistas de la corriente dominante. Algunos de los trompetistas más influyentes de los años 50, 60 y 70 alcanzaron por primera vez una cierta prominencia con Silver: músicos como Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson y los Brecker Brothers tocaron en la banda de Silver en un momento temprano de sus carreras. La plata ha afectado incluso a miembros de la vanguardia; Cecil Taylor confiesa una influencia plateada, y el trompetista Dave Douglas tocó brevemente en un combo de plata.

Silver grabó en exclusiva para Blue Note hasta el eclipse de ese sello a finales de los 70, cuando fundó su propio sello, Silveto. El trabajo de Silver en los años 80 estaba mal distribuido. Durante ese tiempo comenzó a escribir letras a sus composiciones, y su trabajo comenzó a mostrar una preocupación con los poderes metafísicos de la música, como lo demuestran los títulos de álbumes como Music to Ease Your Disease y Spiritualizing the Senses. En los años 90, Silver abandonó su compañía discográfica y comenzó a grabar para Columbia. Con su resurgimiento en un gran sello, Silver recibió una vez más una medida de la atención que merecen sus contribuciones. Ciertamente, nadie contribuyó nunca con un cuerpo más grande y vital de composiciones originales al canon del jazz. Silver murió en Nueva York.

VA • Jazz Fusion Giants

George Benson, Kenny Burrell, Wayne Shorter, Return To Forever, Eumir Deodato, Stanley Turrentine, John McLaughlin.

 

VA • Blue Note Plays Bossa Nova

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#7

 

Horace Parlan • On The Spur Of The Moment

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Again working with his longtime rhythm section of George Tucker (bass) and Al Harewood (drums), Horace Parlan manages to On the Spur of the Moment make distinctive by emphasizing the rhythmic side of his hard bop. Tenor saxophonist Stanley Turrentine and trumpeter Tommy Turrentine help give the quintet a bluesy edge, which the band exploits to an appealing effect throughout these six, mostly original, compositions. There are a few ballads, and even when things are at their hottest, Parlan's understated playing is a cue for the group to keep it tasteful, but that relaxed atmosphere is part of the reason why On the Spur of the Moment is another winning effort from the underrated pianist. 
https://www.allmusic.com/album/on-the-spur-of-the-moment-mw0000033102

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
De nuevo trabajando con su sección rítmica habitual, formada por George Tucker (bajo) y Al Harewood (batería), Horace Parlan consigue que On the Spur of the Moment sea un álbum distintivo al enfatizar el lado rítmico de su hard bop. El saxofonista tenor Stanley Turrentine y el trompetista Tommy Turrentine ayudan a dar al quinteto un toque blues, que la banda aprovecha para crear un efecto atractivo a lo largo de estas seis composiciones, en su mayoría originales. Hay algunas baladas, e incluso cuando las cosas se ponen más intensas, la interpretación discreta de Parlan es una señal para que el grupo mantenga el buen gusto, pero esa atmósfera relajada es parte de la razón por la que On the Spur of the Moment es otro éxito del pianista infravalorado. 
https://www.allmusic.com/album/on-the-spur-of-the-moment-mw0000033102

 

VA • Blue Note 101 Cocktail Jazz

 

Stanley Turrentine • A Chip Off The Old Block

 

Review by Michael G. Nastos:

The circumstances surrounding the recording of this album are as important as the music you will hear and enjoy. Inspired by the songbook of Count Basie, tenor saxophonist Stanley Turrentine and his wife of four years, organist Shirley Scott, planned on recording with a septet, and went into the studio with that band on October 12, 1963, but those sessions were scrapped. On October 14, two tracks were finished and included here, but October 21 saw the band pared down to a quintet, and the results were acceptable. Trumpeter Blue Mitchell's contributions were quite desirable, he was the second lead voice in the ensemble, and success was attained. Turrentine and Mitchell played together in the 1954 edition of the Earl Bostic ensemble, and happily renew their musical friendship. The Basie evergreen "One O'Clock Jump" leads off the date swinging with Turrentine and Mitchell trading melody lines before an outstanding solo from the trumpeter. A first take from the larger ensemble is described by Bob Blumenthal in the liner notes as ragged, but perhaps further attempts would have smoothed out the scruffy mood. The tenor man sounds as if he is feeding the melody line to trombonist Tom McIntosh and baritone saxophonist Charles Davis ad lib instead of reading charts, although it doesn't sound all that uninspired. Neal Hefti's "Cherry Point" with the quintet is an easy swinging, tenor/organ trade off, in a much slower tempo with the septet, two minutes longer, a bit sluggish, perhaps too rich, but soulfully coming together at the coda. Dedicated to Nashville DJ Hoss Allen, the classic road time shuffle "Blues in Hoss' Flat" chips off many familiar phrases in the main frame, while Hefti's simmering "Midnight Blue" (not Kenny Burrell's version that Turrentine also played on) gives Scott room to subtract one color and shade the unison melody with the tenor and trumpeter. The lone ballad "Spring Can Really Hang You Up the Most" emphasizes Turrentine's soul quotient with Mitchell offering a marvelous countermelody. The spare approach of Basie is hard to ignore, and though not essential in Turrentine's discography, it is an interesting item that showcases his lighter side positively.

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Traducción Automática:
Reseña por Michael G. Nastos:

Las circunstancias que rodean la grabación de este álbum son tan importantes como la música que escuchará y disfrutará. Inspirado por el cancionero de Count Basie, el tenor saxofonista Stanley Turrentine y su esposa por cuatro años, la organista Shirley Scott, planearon grabar con un septeto, y entraron en el estudio con esa banda el 12 de octubre de 1963, pero esas sesiones fueron descartadas. El 14 de octubre, dos pistas fueron terminadas e incluidas aquí, pero el 21 de octubre vio a la banda reducida a un quinteto, y los resultados fueron aceptables. Las contribuciones de Trumpeter Blue Mitchell fueron bastante deseables, fue la segunda voz principal en el conjunto, y se logró el éxito. Turrentine y Mitchell jugaron juntos en la edición de 1954 del conjunto de Earl Bostic, y felizmente renovaron su amistad musical. El basie Evergreen "One O'Clock Jump" inicia la fecha oscilando con Turrentine y Mitchell intercambiando melodías antes de un excelente solo del trompetista. Bob Blumenthal describe una primera toma del conjunto más grande en las notas del liner como algo irregular, pero quizás otros intentos habrían suavizado el estado de ánimo desaliñado. El tenor suena como si estuviera alimentando la melodía del trombonista Tom McIntosh y del saxofonista barítono Charles Davis ad lib en lugar de leer gráficos, aunque no suena tan poco inspirado. El "Cherry Point" de Neal Hefti con el quinteto es un intercambio balanceado, de tenor / órgano, en un tempo mucho más lento con el septeto, dos minutos más, un poco lento, quizás demasiado rico, pero conmovedoramente unidos en la coda. Dedicado a Nashville DJ Hoss Allen, el clásico Road Shuffle "Blues in Hoss 'Flat" corta muchas frases familiares en el fotograma principal, mientras que Hefti hirviendo a fuego lento "Midnight Blue" (no la versión de Kenny Burrell en la que Turrentine también jugó) le da a Scott espacio para restar un color y sombrear la melodía al unísono con el tenor y el trompetista. La solitaria balada "Spring Can Really Hang You Up The Most" enfatiza el cociente de soul de Turrentine con Mitchell ofreciendo una maravillosa contramelodía. El enfoque de repuesto de Basie es difícil de ignorar, y aunque no es esencial en la discografía de Turrentine, es un elemento interesante que muestra positivamente su lado más ligero.

Stanley Turrentine • The Spoiler

Stanley William Turrentine was one of the most distinctive tenor saxophonists in jazz. Known for his big, warm, sound, “The Sugar Man” or the original “Mr. T” found inspiration in the blues and turned it into a hugely successful career with a #1 hit and four Grammy nominations — first in R&B and then in jazz.

Born on April 5, 1934 in Pittsburgh, a city that has produced more than its share of jazz masters, Turrentine hailed from a musical family. His saxophone-playing father was a big influence, as was his stride piano-playing mother and older brother, the late trumpeter Tommy Turrentine.

One of Stanley's earliest influences on sax was tenor great Illinois Jacquet. Jacquet once encouraged a 12-year old Stanley to sit in with him. At 17, Turrentine went on the road with bluesman Lowell Fulson. In 1953, he was hired by R&B saxman and bandleader Earl Bostic to replace John Coltrane.

A consummate musician who learned his craft through disparate experiences and influences, Turrentine received his only formal musical training during his military stint in the mid-'50s. In 1959, he jumped from the frying pan into the fire when he left the military and went straight into the band of the great drummer Max Roach.

Turrentine married organist Shirley Scott (left) in 1960. When they moved to Philadelphia, they befriended Hammond B-3 organ legend Jimmy Smith and Turrentine quickly immersed himself in the Smith's soulful jazz organ sound. He even recorded on Jimmy's epochal Blue Note album Midnight Special.

The organ-centered soul-jazz that Jimmy Smith and Shirley Scott concocted provided Turrentine the perfect gateway to cross over into pop territory. His first foray in this new, more radio-friendly music began in 1969 when he signed with Creed Taylor's slick and successful CTI label.

Turrentine's first album for CTI, Sugar, was released in 1970 and yielded the classic tune of the same name. He continued with a string a pop-laced crossover albums for CTI including the 1971 hit Don't Mess with Mr. T. His relative success, despite his continued ability to deliver in the straight-ahead jazz vein, led to a predictable critical backlash. Listen to L.A. Times jazz critic Don Heckman, bassist Ray Brown, and Stanley talk about the critical backlash he received after making pop-oriented hit albums

Nevertheless, Turrentine persevered on the ever-changing landscape of jazz, by tapping into his enduring, soulful sound and bluesy approach. He remained a perennial favorite among jazz fans well up to his untimely death on Sept. 12, 2000.

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Stanley William Turrentine fue uno de los saxofonistas tenores más distintivos del jazz. Conocido por su gran y cálido sonido, "The Sugar Man" o el original "Mr. T" encontró la inspiración en el blues y lo convirtió en una carrera de gran éxito con un éxito #1 y cuatro nominaciones a los Grammy - primero en R&B y luego en el jazz.

Nacido el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, una ciudad que ha producido más que su cuota de maestros de jazz, Turrentine provenía de una familia musical. Su padre, que tocaba el saxofón, fue una gran influencia, al igual que su madre, que tocaba el pianoforte, y su hermano mayor, el fallecido trompetista Tommy Turrentine.

Una de las primeras influencias de Stanley en el saxo fue el gran tenor de Illinois Jacquet. Jacquet animó una vez a un Stanley de 12 años a sentarse con él. A los 17, Turrentine se fue a la carretera con el trompetista Lowell Fulson. En 1953, fue contratado por el saxofonista y director de banda Earl Bostic para reemplazar a John Coltrane.

Un músico consumado que aprendió su oficio a través de experiencias e influencias dispares, Turrentine recibió su único entrenamiento musical formal durante su periodo militar a mediados de los 50. En 1959, saltó de la sartén al fuego cuando dejó el ejército y entró directamente en la banda del gran baterista Max Roach.

Turrentine se casó con la organista Shirley Scott (izquierda) en 1960. Cuando se mudaron a Filadelfia, se hicieron amigos de la leyenda del órgano B-3 de Hammond, Jimmy Smith, y Turrentine se sumergió rápidamente en el sonido conmovedor del órgano de jazz de Smith. Incluso grabó en el álbum de época de Jimmy, Blue Note, Midnight Special.

El soul-jazz centrado en el órgano que Jimmy Smith y Shirley Scott inventaron proporcionó a Turrentine la puerta perfecta para cruzar al territorio del pop. Su primera incursión en esta nueva música más radiofónica comenzó en 1969 cuando firmó con el ingenioso y exitoso sello CTI de Creed Taylor.

El primer álbum de Turrentine para CTI, Sugar, fue lanzado en 1970 y produjo la clásica melodía del mismo nombre. Continuó con una serie de álbumes de música pop para CTI, incluyendo el éxito de 1971 Don't Mess with Mr. T. Su relativo éxito, a pesar de su continua habilidad para tocar en la línea recta del jazz, le llevó a un previsible rechazo de la crítica. Escuche al crítico de jazz del L.A. Times Don Heckman, al bajista Ray Brown y a Stanley hablar de la reacción crítica que recibió después de hacer álbumes de éxito orientados al pop

Sin embargo, Turrentine perseveró en el siempre cambiante paisaje del jazz, aprovechando su duradero y conmovedor sonido y su enfoque bluesiano. Siguió siendo un favorito perenne entre los aficionados al jazz hasta su prematura muerte el 12 de septiembre de 2000.

Horace Parlan • Speakin' My Piece

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Horace Parlan had a gift for relaxed, swinging hard bop which placed his piano in a central, yet unassuming role. Speakin' My Piece is one of the first albums to find Parlan getting all the ingredients right, from his own subtle playing to soliciting fine contributions of his backing band. Stanley Turrentine, in fact, turns out to be an excellent complement to Parlan, playing in a similarly tasteful style. Five of the six numbers are band originals, and each number is quite similar -- bluesy, gently swinging hard bop. No one pushes too hard on Speakin' My Piece, preferring to create an intimate atmosphere with milder numbers and performances. Such an approach gives each muscian -- Parlan, Turrentine, bassist George Tucker, drummer Al Harewood -- a chance to shine with lyrical, melodic solos and/or sympathetic support, resulting in a charmingly low-key session.
https://www.allmusic.com/album/speakin-my-piece-mw00005368899

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Horace Parlan tenía un don para el bop duro y relajado que colocaba su piano en un papel central, pero modesto. Speakin ' My Piece es uno de los primeros álbumes en encontrar a Parlan obteniendo todos los ingredientes correctos, desde su propia interpretación sutil hasta la solicitud de excelentes contribuciones de su banda de acompañamiento. Stanley Turrentine, de hecho, resulta ser un excelente complemento para Parlan, jugando en un estilo de buen gusto similar. Cinco de los seis números son originales de la banda , y cada número es bastante similar: blues, balanceándose suavemente. Nadie presiona demasiado para hablar Mi Pieza, prefiriendo crear una atmósfera íntima con números y actuaciones más suaves. Tal enfoque le da a cada músico-Parlan, Turrentine, el bajista George Tucker , el baterista Al Harewood-la oportunidad de brillar con solos líricos, melódicos y/o apoyo comprensivo, lo que resulta en una sesión encantadoramente discreta.
https://www.allmusic.com/album/speakin-my-piece-mw0000536889